5 Albums classiques à écouter en ce moment

Une rareté britannique, des voix expérimentales et un quatuor de Beethoven figurent parmi les points forts des parutions récentes.

“The British Project” – Walton : ‘Troilus and Cressida’

Orchestre symphonique de la ville de Birmingham ; Mirga Grazinyte-Tyla, chef d’orchestre (Deutsche Grammophon)

Que la cause en soit le Brexit, le coronavirus ou le réarrangement des priorités qui est arrivé dans leur sillage, il y a eu récemment un exode, petit mais significatif, de musiciens des côtes britanniques. Le transfuge dont on a le plus parlé a été Simon Rattle, mais le plus déchirant est sans doute un autre chef d’orchestre, Mirga Grazinyte-Tyla, 34 ans, qui a annoncé en janvier qu’elle quittera le City of Birmingham Symphony Orchestra en 2022, après six ans en tant que directrice musicale.

C’est dommage : Le partenariat était florissant tant en concert que sur disque, avec une sortie en 2019 des symphonies de Mieczyslaw Weinberg suscitant l’admiration. Il y a plus à admirer sur ce nouvel album, le deuxième d’un projet consacré à la musique britannique – et à une musique britannique inhabituelle. L’opéra “Troilus and Cressida” de William Walton a été le plus souvent ignoré depuis ses débuts à Londres en 1954, et la suite (arrangée par Christopher Palmer) entendue ici n’a guère mieux réussi.

Mais Grazinyte-Tyla et l’orchestre démontrent, dans cet enregistrement live, qu’elle mérite d’être écoutée : une pièce somptueuse, dramatique et harmoniquement aventureuse de post-post-romantisme qui fait penser à Strauss, Schreker et Korngold tout en restant distinctement anglaise. Quel jeu ! Et quelle honte. DAVID ALLEN

“Protagonistes du piano”

Orion Weiss, piano ; The Orchestra Now ; Leon Botstein, chef d’orchestre (Bridge Records)

Les trois œuvres pour piano et orchestre de cet enregistrement exceptionnel, couvrant un siècle de romantisme musical, ont été écrites en réponse à des sources très différentes. Chopin, à la fin de son adolescence, a été inspiré par le duo “Là ci darem la mano” du “Don Giovanni” de Mozart pour composer un ensemble de variations élégant, ludiquement inventif et ornementé de virtuosité, qui est devenu sa vitrine de carte de visite en tant que jeune pianiste.

Le Concerto pour piano en do dièse mineur de Rimski-Korsakov (achevé en 1883), lunatique, impétueux et magnifique, est tiré d’une mélodie russe mélancolique. Et à 25 ans, Erich Wolfgang Korngold a été inspiré par la tragédie du pianiste Paul Wittgenstein, qui avait perdu son bras droit en tant que soldat pendant la Première Guerre mondiale, pour écrire un concerto en do dièse en un seul mouvement, foisonnant et épisodique, qui ne requiert que la main gauche. Créée en 1924, la musique passe de passages d’une intensité chromatique dense à des explosions d’énergie burlesque. Toutes les interprétations de cet album, avec le brillant pianiste Orion Weiss, sont excellentes. ANTHONY TOMMASINI

‘Prisme III’

Quatuor à cordes danois (ECM)

J’avais pensé qu’après une année de célébration concentrée de Beethoven, j’avais besoin d’une pause. Puis est arrivé le dernier album du Quatuor à cordes danois – un rappel, comme toute grande interprétation de Beethoven, qu’il y a encore tant de choses à apprendre et à écouter dans cette musique.

“Prism III” est le troisième volet de ce que ce quatuor décrit comme un faisceau de musique à travers un prisme, traçant des connexions à travers les siècles en juxtaposant des fugues de Bach, du Beethoven tardif et des œuvres du XXe siècle. Les tonalités mineures colorent cet album d’une beauté plus sombre que ses prédécesseurs, le ton étant donné par la fugue lente et endeuillée au début de l’Opus 131 de Beethoven. Cet enregistrement ne cherche pas à plaire. Malgré toutes les sautes d’humeur des sept mouvements ininterrompus de l’œuvre, les Danois sont judicieux quant aux émotions. La fugue austère souffre ainsi plus naturellement que dans d’autres lectures ; les pizzicatos, sans ajout de douceur, sonnent avec ironie.

Le Premier Quatuor de Bartok commence comme une continuation du Beethoven, mais par son final fait entrer fermement le genre dans le XXe siècle. Les deux précédents albums “Prism” s’ouvraient sur Bach, mais celui-ci se termine par la Fugue en do dièse mineur (BWV 849), tirée du Livre I du “Clavier bien tempéré”. Le groupe la traite comme une recherche, un colloque douloureux, à la fois un écho et un ancêtre de Beethoven et de Bartok, se terminant par une expiration de résolution harmonieuse. JOSHUA BARONE

“Resonant Bodies”

(New Focus Recordings)

Cet assemblage de sons joyeux est aussi un requiem. Il célèbre et pleure le Resonant Bodies Festival, qui, de 2013 à 2019, a représenté le début officieux de la saison artistique d’automne à New York, début septembre, avec une explosion de musique vocale expérimentale.

La fondatrice de ce festival, Luca, est une artiste de renom.

Sa fondatrice, Lucy Dhegrae, choisissait les chanteurs, puis leur déléguait le contrôle de la programmation. Le public avait tendance à être lourd de collègues musiciens, mais l’ambiance n’était pas insulaire. On ressentait plutôt de l’ouverture – la liberté de dévoiler des œuvres encore en cours.

Un nouvel album comprend une douzaine de boulangers de ces œuvres, pour la plupart des solos écrits par leurs interprètes. L’utilisation de l’électronique – comme canevas pour les voix et comme distorsion de celles-ci – est très répandue. Les textes sont beaucoup plus rares que les cris, les gémissements, les clics et les gémissements. Le style dominant est l’expressionnisme agile.

On retrouve les plosives féroces de Charmaine Lee ; le ton éthéré et planant de Pamela Z, se désintégrant en babillage de chant d’oiseaux ; le commandement velouté de Julia Bullock ; le fredonnement glissant de Caroline Shaw ; la voix moelleuse d’Arooj Aftab se déployant, sans hâte, sur près de 14 minutes ; Anaïs Maviel s’accompagnant du doux grondement du n’goni, une harpe d’Afrique de l’Ouest ; les harmonies douloureusement serrées de Kamala Sankaram ; la vétérante Lucy Shelton, fantasque lorsqu’elle manipule cloches et carillons ; Sofia Jernberg, son sifflement se brisant en d’incroyables gazouillis, tantôt bijoutés, tantôt desséchés.

La panoplie est un hommage émouvant à Resonant Bodies, déjà regretté. Qu’il repose dans le bruit. ZACHARY WOOLFE

Schumann, Brahms, Schoenberg

Daniele Pollini, piano (Deutsche Grammophon)

La lignée plane inévitablement sur le nouvel enregistrement de Daniele Pollini de musique pour piano de Schumann, Brahms et Schoenberg. Pollini est le fils de Maurizio Pollini, l’un des plus éminents pianistes de notre époque, et n’hésite pas à aborder des compositeurs cruciaux pour la carrière de son père, tels que Chopin et Stockhausen, pièces maîtresses de l’album solo de Daniele Pollini en 2018.

Son dernier itinéraire comprend également des arrêts dans certains lieux favoris de la famille. Mais il a sa propre identité dans un répertoire comme l’Opus 11 de Schoenberg. Alors que son père était si impeccable et efficace dans cette œuvre qu’il frôlait la clinique, Daniele Pollini fait sonner certains accords de manière rêveuse, comme s’il s’agissait d’une ballade familière jouée dans une boîte de nuit. Cette approche luxuriante permet également de relier son Schoenberg à son interprétation des pièces de l’opus 119 de Brahms. L’album s’ouvre sur le “Carnaval” de Schumann, dans une interprétation qui canalise une ingéniosité explosive et juvénile.

Schumann et Schoenberg se sont tous deux tournés vers Brahms, depuis les points de vue dramatiquement distincts du milieu du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Pourtant, ni l’histoire musicale ni l’héritage familial ne pendent comme un boulet au cou de Pollini. Il joue ces œuvres comme si elles étaient toutes dans la famille. SETH COLTER WALLS

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